Por: Lucía Zapata

La Guardia Hereje presenta su nuevo
material, 13 canciones para Mandinga,
esta noche a las 21, en el Coliseo
Podestá (10 entre 46 y 47).
Alorsa (voz, letra y música de la
banda) contó de qué se trata este
nuevo disco: "Es un set de canciones
que venimos probando. Todos
temas nuestros, que presentamos
durante el último año y los que mejor
recepción tuvieron con la gente.
Fernando Tato y Sebastián Marín
hicieron los arreglos y con Leonardo
Gianibelli en percusión los
terminamos de tocar en formato
de cuarteto. Vamos a presentar todos
los temas que vamos a grabar,
y al revés de lo que se suele hacer:
vamos a mostrarlos y cuando los
tengamos seguros los vamos a grabar.
Porque a veces pasa que grabás
y te das cuenta que a los dos meses
te sale mejor o le encontrás otra vuelta,
así que decidimos presentarlos y,
después, grabarlos".
Sobre la fecha de grabación, el
cantante aclaró: "Va a ser pronto,
no es algo difícil o traumático, lo
podemos hacer en una semana, por
eso nos pareció mejor y más interesante
mostrar el repertorio y después
grabar".
–¿Qué diferencias y similitudes
hay entre su primer disco (Tangos...
y otras yerbas) y este 13 canciones
para Mandinga?
–Buscamos mantener la misma
línea, seguir utilizando los mismos
ritmos: tangos, milongas, candombes
y murgas. Y además los temas
los fuimos mostrando y no son
posteriores a los del primer disco,
son temas que quedaron en el tintero
y esta selección de canciones
nos parecieron el mejor material.
Quizás, el próximo sea diferente. Se
mantiene el sonido de guitarras y
dos líneas: una que es un poco más
emotiva o profunda y la otra un
poco más humorística o risueña.
–Habla de línea y estilo, ¿cómo
definiría la línea y el estilo de La
Guardia Hereje?
–Yo creo que la línea tiene que
ver con esas dos vertientes de las
que hablé: una más emotiva o risueña
y privilegiar el mensaje, que
haya un mensaje que sea lo importante
de la canción. Y el estilo
por ahí tiene que ver con el formato
musical y el lenguaje que utilizamos,
el lenguaje de las letras son
del lunfardo nuevo, del habla de la
calle de hoy y el formato que utilizamos
trata de ser más tradicional:
utilizar ritmos que están en la región,
en el río de La Plata.
El cantante de La Guardia Hereje,
en referencia al mensaje que
quiere dar el grupo con sus canciones,
dijo que uno de los temas
que le gusta es “La cría del plata”:
“Tiene que ver con asumir toda la
problemática de nuestra de identidad
nacional, de toda la mezcla
que somos y deja un mensaje optimista.
Hay otras canciones que
hablan de fútbol, que es otra de las
temáticas que siempre tocamos,
hablamos más de los potreros de
los barrios, con cierta nostalgia pero
sin ser deprimente. No tenemos un
único mensaje, la idea es poder hablar
de lo que a uno se le ocurra
con esos formatos, que lo que escuches
sientas que te representa,
disparar los lugares comunes de la
gente con los temas que toquemos.
Por eso probamos los temas: en los
shows tiramos los estrenos, y hablamos
con la gente, o nos mandan
mails a la página (www.laguardiahereje.
com.ar) y de hecho,
en el mismo Coliseo, vamos a hacer
un par de estrenos".
–¿Por qué recomendaría ir a escuchar
este show de La Guardia Hereje?
–Porque el que nos conoce, ya
sabe lo que es y se va a encontrar
con un material que nosotros creemos
que hemos madurado y estamos
mejor. Y el que no nos conoce,
que venga porque se va a sorprender.
Quizás espera encontrar algo
más relacionado con lo tradicional
y encuentra algo nuevo que lo emociona,
que lo hace reír. Y no creo
que los defraudemos, nosotros vamos
a poner lo mejor para que salga
bárbaro.

LFC Revancha ochentosa

El análisis de Ezequiel Franco

Los ochentas platenses no fueron los mismos en la capital o el conurbano para los Fabulosos. Claro, los Redondos y Virus mandaban en la ciudad y era imposible torcer con el sonido ska las guitarras de Skay, las letras del Indio, la voz de Federico o los sintetizadores de la banda de los hermanos Moura. Pero todo eso no se vio el domingo en el Estadio Único. La fuerza de los Cadillacs arrasó con una barrera de dos décadas que no dejó a nadie sin saltar y sin el uo-o-o-o-oo clásico de la banda.
Es que el bajo satánico de Flavio, que sacude su grasa por todo el escenario como un trompo torpe; las prolijas desafinadas de Gabriel (o Vicentico); y la pierna de vientos metálicos, forman un pócima musical que borra cualquier vestigio de aquellos años en que el rock nacional comenzaba a imponerse, a gran escalada, sobre los temas en inglés.
No fue un público cuantioso, pero sí valioso: todos, hasta los plateístas, siguieron en movimiento el repertorio matador. Muchos de ellos en familia, otros con la mística del gorro visera a cuadriculados y una multitud con ganas de bailar al ritmo banda. Todos, coincidieron en un espacio que merece más música en vivo.
Para los que crecimos escuchándolos y vimos a Vicentico estar sin los otros ocho, es fácil distinguir que este tipo que fue deformando su figura a lo Elvis no es el mismo vestido de Fabuloso. Su escaso carisma malhumorado se transforma en motivador –aún– que sin perder la parquedad. Y cambia los insultos con palmas y gritos eufóricos. Lo mismo sucede con Flavio, que sin el resto no podría volcar su humor con corcheas.
A contramano, los Cadillacs sin los vientos no serían fabulosos. Hubiese sido imperdonable no escuchar en La Plata cómo le calzan estos tiempos a las trompetas y el saxo, que, sin dudas, son los padres de un estilo que abrió paso a ritmos decadentes y calzonudos.

Llega al Coliseo Podestá el primer festival de música celta

Por Lucía Zapata
El Festival Celta se celebra hoy a las 19.30 en el Coliseo Podestá (10 entre 46 y 47) con las presentaciones de Lagan trío, Celtic Argentina y Caminantes de Finisterre.
La organizadora Alejandra Cullari contó que, con su esposo, Guillermo Pardini, empezaron con los festivales en el año 1996, a raíz de un viaje a España. "Fue en el teatro porteño El Globo, cuando nadie conocía la música celta. Había una pequeña movida de Manolo del Campo, donde se juntaban los asturianos, escoceses e irlandeses, era todo muy cerrado. Nosotros lo mostramos al público en general".
Desde ese momento arrancó el "fenómeno celta", que el matrimonio trasladó a distintos escenarios de la Capital, Mar del Plata y San Isidro. La "movida", como la define Cullari, fue muy amplia y trataron de llevar variedad de propuestas "para que la gente se vaya enterando de qué se trata la riquísima cultura celta".
Con relación a su llega a La Plata, la creadora del ciclo dijo que "hace rato que estábamos tratando de hacer un festival acá y estamos muy agradecidos de que nos abran las puertas del Coliseo. Era hora que La Plata tuviera su espacio de música celta".

Los protagonistas. Lagan Trío se formó en 2004 y es un grupo de celta clásico integrado por Edith Gorini (arpa), Nili Grieco (flauta-tin whistle) y Soledad Grigera (violín). Grieco dijo que la propuesta del trío es camarística y singular: "La flauta, el arpa y el violín se entrelazan en arreglos musicales muy exquisitos y forman un ensamble íntimo y cristalino. Proponemos realizar un viaje hasta las más sentidas melodías de la tradición celta". Esta noche presentarán su segundo disco, Lagan trío transparente, que resultó de una búsqueda de su primer trabajo (Clásico celta), un cd de estudio, pulcro. "Quien escucha aquel, escucha perlitas. En cambio, en este segundo quisimos mostrar el vivo: hay músicos invitados, arreglos más provocativos, intervienen guitarras, percusión, cellos y canto, ampliando el ensamble. El título es por el ensamble cristalino, sin ruido, que invita a la relajación", detalló Grieco, que espera que esta noche sea "una fiesta total y que la gente disfrute".
Celtic Argentina es uno de los mejores y más tradicionales grupos de danza celta. Christine Rasmussen fundó este ballet en 1979, luego de haber estudiado danzas irlandesas en Dublín. En la actualidad, la dirección artística de Celtic está a cargo de su hija, Dominique Dure. "Vamos a presentar números de danzas que son coreografías basadas en los pasos tradicionales y algunos bailes tradicionales de la tradición irlandesa", explicó Christine. Y agregó que "habrá unos 30 bailarines más los invitados Augusto Canessa, que es profesor de danzas y cuatro integrantes del ballet Llavallol".
Caminantes de Finisterre son los locales. El repertorio de esta banda platense está basado en temas folclóricos de Galicia, Asturias, Irlanda y Escocia. Julián Cueto (gaita, flautas de pico, tin whistle), Federico Mosquera (guitarra, zanfona, bouzouki), Isidoro Sorokin (whistles, bodhrán, gaita, guitarra), Pablo Santos (djembé, redoblante, accesorios) y Julián Laquidara (violín) integran el quinteto que esta noche estará acompañado por Eloisa Donattone (cello) y Emilia Cacase (voz). Federico Mosquera contó que están "muy contentos de formar parte del festival, ya que va a haber tres propuestas distintas y la idea es que nos complementemos. Nosotros tenemos instrumentos tradicionales del folk celta, como la gaita". Para finalizar dijo que el deseo del grupo es, como en todos los shows, "que se llene de gente, algo fundamental. Queremos que los que conocen el género lo disfruten, y los que van por primera vez, se abran a algo nuevo. Esperamos un buen concierto y que la gente se vaya contenta, el objetivo principal de esta música".

La Portuaria en La República de los Niños

Por Miguel Graziano
La Portuaria llega hoy a las 18 a La República de los Niños (Belgrano y 501) con su nuevo disco, La vaca atada, para cerrar el ciclo de rock que abrió Hilda Lizarazu y continuaron Leo García y Dante Spinetta. Con La vaca atada, La Portuaria se encuentra ante su décimo disco, reencuentro de por medio. En su nueva formación, Diego Frenkel, Sebastián Schachtel y Colo Belmonte sumaron a Christian Basso en bajo (co-fundador del grupo y quien, junto a Frenkel, compuso "Selva" y "El bar de la calle Rodney"). También regresa Alejandro Terán y se suma el trompetista Miguel Angel Tallarita. Diego Frenkel habla de esta vuelta.
–¿Reencontrarse con los otros músicos es una manera de reencontrarse con usted mismo?
–Hay lugares que son inmutables en cada uno de nosotros. En ese punto es en el que nos reencontramos: en la esencia, que es algo que nos une. Además, todos crecimos y estamos maduros, porque seguimos con nuestras cosas y ahora podemos volver a disfrutar estar juntos con la misma energía vital que antes.
–¿Cómo definiría el nuevo disco del grupo?
–Como súper contundente, poderoso y bailable, con acento en la calle y el mundo. Más transgresor en el sentido de lo lúdico, el juego y la libertad. Esas son las características. Tiene bien marcada la infancia como lugar.
–¿El arte brinda esa posibilidad de volver a la infancia que otras actividades limitan?
–En el disco jugamos a abrir espacios de la percepción que muchas veces están cerradas para los adultos.
–Otra vez están nominados para los premios Gardel al mejor álbum de grupo pop...
–¡Sí! Ganamos con 10.000 kilómetros y con Río (con el ex Talking Heads David Byrne como invitado) Ojalá se repita. En este momento de la banda, estar nominados ya es una alegría mayor.
–¿Ya tocaron en la República de los Niños?
–Creo que estuvimos ahí hace unos 16 años. Tengo algún recuerdo, pero Hilda Lizarazu estuvo hace poco y nos contó que el lugar está buenísimo.
Veinte años después de salir a la ruta con Rosas rojas (1988) y después del acústico Río (2005), La vaca atada reconecta a la banda con sus raíces funk, disco y afro con la percusión y los vientos ensamblados con melodías inconfundiblemente portuarias, bailables y pegadizas. Frenkel adelantó que presentarán el disco y repasarán todo el repertorio. Algo que se verá potenciado por el regreso de los viejos integrantes. A los segurísimos "El bar de la calle Rodney" y "Selva" se sumarán "Nada es igual", "Devorador" y "Baby".

Grita Quincas toca en Ciudad Vieja

Por Miguel Russo
El grupo Grita Quincas hace su debut mañana a las 21.30 en Ciudad Vieja (71 y 17). Lo forman Federico Núñez en clarinete, Federico Jaureguiberry en saxo alto y descomposición (como prefiere llamar a sus temas), Bernardo Casagrande en saxo tenor, Mauricio Seminara en piano, Agustín Salzano en cello y Sofía Socolovsky en contrabajo. Federico Jaureguiberry, "el descompositor", ex arreglador de Banda Hermética, se presta al diálogo para contar este show inaugural de una banda que ya tiene historia.
–¿Cuál es el recorrido que va desde el adiós a Banda Hermética a la formación de Grita Quincas?
–Grita Quincas arranca en marzo del año pasado, en paralelo con Banda Hermética. Entre mayo y junio de 2007, tomando la idea de Calendario do Som, de Hermeto, me dediqué a escribir algo día a día. Me intrigaba esa "gimnasia" de escribir todos los días. Cuando escuché lo hecho, me pareció que todo sonaba igual así que lo dejé para tomar distancia. Por otro lado, Marcos Archetti y yo, después de unos años de arreglar el Calendario..., empezamos a tener la necesidad de hacer nuestros temas. Las introducciones o los interludios de los temas que yo arreglaba, me dejaban con la intriga de qué pasaría si escribía algo míoo. Fui convocando músicos para armar un proyecto propio. Como primer paso, ubiqué a Mauricio Seminara, luego invité a Federico Núñez y Bernardo Casagrande (también integrantes de BH) y por último se sumaron a Sofía Socolovsky y Agustín Salzano. Actualmente, el repertorio de Grita Quincas son arreglos de los temas de mi "mini calendario".
–¿En qué influye la necesidad de interpretar los temas propios con la conformación del grupo vientos-cuerdas?
–Durante los años que arreglé para BH, trabajé con una sección de vientos donde pude experimentar diferentes estrategias de arreglos. Con el cello y el contrabajo amplío la experimentación tímbrica y me lleva al dilema de las diferencias dinámicas que existen entre los vientos y las cuerdas, por lo que me exige ser muy cuidadoso con la orquestación y a Núñez y a Casagrande les pide más control sobre la dinámica.
–¿Qué quedó de Hermeto Pascoal en la composición, en los arreglos y en el sonido final de la banda?
–Grita Quincas es una búsqueda del camino propio. Después de cinco años de trabajar en BH, la cabeza queda seteada en "esa" manera de trabajar, así que por lo pronto me estoy "sacando" a Hermeto de encima escribiendo escribiendo y escribiendo. Tarde o temprano va a salir a flote el lenguaje propio. Habiendo escuchado Kaimanta Kaiman (el proyecto de Marcos Archetti) y mis arreglos, vi que había un sonido de Marcos en BH y otro mío. Ahora, Grita Quincas es una de esas partes. El sonido del sexteto es muy diferente al de BH: no me interesa trabajar tanto con las especies rítmicas de Brasil y la sección de vientos no tiene flauta así que el registro agudo queda donde llegué el clarinete de Núñez.
–¿Hay proyectos para grabar o primero debe darse un afiatamiento?
–Tiene que quedar un registro, un "yo hice esto" que permita una visión crítica de lo que se realiza. En el ensayo, estoy puliendo las cosas; en "vivo", estoy más pendiente de lo que estoy tocando. Sólo queda grabar. Mi idea es, de aquí a fin de año, tener grabado algo, pero antes tenemos que tener una cantidad de shows y ensayos quemados así suena música y no notas que pasan una tras otra. El afiatamiento se lleva a cabo tanto en ensayos como en shows, que es donde no hay retorno. El ensayo y la experimentación son permanentes. Y, si hay trabajo, mañana seguro que va a sonar mejor que hoy.
–¿Todos los temas serán siempre suyos o hay otros compositores en el grupo?
–Hasta ahora los temas son míos. Mi idea es que en Grita Quincas escriba quién quiera. Mauri y Berni componen, por ahora escriben para sus respectivos grupos: Chipica Trío en el caso de Mauri y No Tan Big en el de Berni.
–Integra otros grupos, acompaña a otros artistas, ¿ qué diferencias encuentra entre ser líder de una banda, ser un integrante más o ser músico invitado?
–Actualmente integro dos tríos: La Trenza (donde hacemos folclore) y Doña Prudencia (de versiones Beatles), formo parte del grupo Chavannes (de acid funk) y colaboro con los grupos La Secta, Dirty Diamonds y Cangola Trunca. Me siento cómodo en todos los roles. Cada uno demanda algo distinto y me divierte cambiar, aprender de los otros, estar como cabeza o como compañero de fila. Llevar un proyecto propio a buen puerto da trabajo, pero tengo un grupo de gente responsable, al que le gusta trabajar, encontrar soluciones y no solamente problemas en las partes que les paso. Por ahí el proyecto propio absorbe más tiempo porque además de estudiar, escribir y organizar los ensayos, pide también la organización de fechas, publicidad. Es todo un aprendizaje de gestión. La responsabilidad siempre es la misma: hacer las cosas bien, nada más que algunas veces hago más cosas que en otras.

José Carbajal, por la vuelta

Por Miguel Russo
"No vengo a La Plata desde 2004, un montón, ¿no? Ya era tiempo de ir", dice José Carbajal, el Sabalero, con su inconfundible voz ronca. Llega el sábado desde Uruguay para presentarse en el teatro Luz y Fuerza (3 entre 41 y 42) a las 21.30.
–¿Viene con nuevo disco?
–Tengo un disco nuevo, La Viuda, con letras de Higinio Mena, pero no salió en la Argentina. ¿Podría llevarlo, no? Sería una tarea más a tener en cuenta. El show no será la presentación de este disco. Voy a hacer temas de toda mi carrera. Incluso algunas canciones que no están grabadas o que fueron editadas en vinilo y nunca pasadas a cd. Hay algunas que están en aquel remoto ancestro del disco que eran los vinilos dobles: dos temas por lado.
–Por lo menos no los tiene en los viejos discos de pasta de 78 RPM...
–Claro, no soy tan viejo. Pero esos temas que no están grabados, los cantaremos para todos.
–¿No hay manera de digitalizar esos temas?
–Vamos a hacer una suerte de memoria de aquellos temas viejos. Temas que pasaron desapercibidos y fuimos reflotando en los sucesivos recitales en la sala Zitarrosa de Uruguay en el mes de febrero.
–¿Por qué pasaron desapercibidos?
–Cuando aparece un disco, rompen todo el día con un tema o dos. Y los demás se van perdiendo, olvidando. Muy de vez en cuando, hay algún operador o un disck jockey medio loco que los pasa, pero esos otros temas están condenados de antemano. Hay gente que me pregunta si son nuevos. Qué van a ser nuevos, tienen como 40 años. El tema disco está complicado con esto de las bajadas de Internet. Habría que encontrar la manera de venderlos por la red, ya que tiene bajo costo.
–Pero, ¿de qué viviría el músico sin la venta de discos?
–Ningún músico vive de los discos, vive de los shows. Los discos son objetos de difusión que sirven para juntar yoda la guita de las ventas, comprarte una botella de algo para fin de año.
–¿Le gusta más estar arriba del escenario que grabar?
–Grabar es una anécdota permanente entre los músicos y los técnicos. Por ejemplo: en la última grabación, inventé la letra introductoria de "A mi gente". Ya estaba podrido de decir siempre lo mismo y empecé a improvisar y quedó. El escenario tiene el sudor, le miedo ante la falta de red, las luces, el anonimato del público hasta que estalla el aplauso o el silbido, la complicidad, el compromiso.
–Hablando de compromiso, ¿cómo ve la actualidad política del Uruguay?
–Entreverada, en plenas campañas: de las internas y las generales, en las cuales hay más respeto, pero está más picada. El Frente Amplio sabe que va a ganar. Y la derecha también lo sabe. Por lo tanto, empieza la campaña contra el Pepe Mujica, para que no gane las internas. Ya se juntaron blancos y colorados en un mismo montón tirando contra el Pepe. Entonces, la izquierda acusa de neoliberalismo a los de derecha y la derecha levanta un cuco que hace muchísimo años que ya no se usa: el comunismo. El asunto es que va a estar muy difícil el resultado. Ojalá que el Frente gane en primera vuelta.
–¿Por simple simpatía o por alguna otra cosa?
–Porque si hay segunda vuelta la división en dos de la sociedad puede ser peligrosa. Hubo algunas escisiones en el Frente, de modo que hay grupos que no votarán por el FA en la primera vuelta, pero sí en la segunda, para que no gane la derecha. Y blancos y colorados, que van separados en la primera, se unirán en la segunda.
–¿Hay indecisión en la sociedad?
–No la hay entre derecha o izquierda. Sí la hay entre los distintos grupos. Pero no hay dudas porque no hay propuestas nuevas en la derecha. Aunque el Pepe tenga 74 años, su propuesta es mucho más joven que la de blancos y colorados, que no tienen nada más que recesión y hambre. Lo bueno es que no haya esa agresión que tienen en otros países en las campañas electorales. La iglesia no interviene, cosa que le debemos a Batlle con la separación de la iglesia y el Estado. Le debemos mucho a Batlle: fue uno de los más grandes estadistas del Uruguay. Gobernó con todos, que es lo mismo que quiere el Frente.
–¿Hace campaña?
–No. Voy a votar por el Frente y voy a votar por el Pepe. Soy un ciudadano más que vota. Mi compromiso está ahí, y con la gente y con la canción. En esa relación dejo todo.

Palo Pandolfo presenta su Ritual Criollo

Por Miguel Graziano
En una perfecta alianza musical con el baterista y percusionista Raúl Gutta y con la presencia del joven violinista Jake Falby –que toca en la Orquesta Juvenil de Bostón y está de paso por Buenos Aires–, Palo Pandolfo llega hoy a las 23 a la Casa del Pueblo (49 e/ 9 y 10) a presentar su disco Ritual criollo, bizarro y moderno. La última vez en La Plata, Palo se presentó en El Teatro con trío de guitarra, bajo y batería, una versión rockera que dejó de lado por esta otra, íntima y acústica.
–¿A qué responde esta formación?
–Es que con Gutta formé una alianza musical. Con él armé el disco y es mi compañero de ruta en cuanto a lo estético. Yo buscaba un percusionista y batero interesado en lo afro criollo y di con él de casualidad. El acústico es la sonoridad que más me interesa ahora. Quiero que se entienda la letra. Y de esta manera ofrecemos una visión contemporánea de la música popular, porque está claro que nací y moriré dentro del rock.
–¿Aquella versión que se vio el año pasado no corre más?
–No la estoy haciendo más. Si no puedo ir con Raúl, voy solo. Esta vez vamos a ir con un gringo de 21 años que está viviendo en su casa, donde ensayamos, y al que sumamos enseguida porque está muy bien formado.
Considerado como un trovador moderno, Pandolfo pasó de la psicodelia progresiva de su primera banda escolar, al punk de Don Cornelio y luego creó Los Visitantes, con un perfil entre folclórico y tanguero. De principio a fin, su discografía se advierte siempre catárquica, desbordante y pasional.
–Todos sus discos parecen tener algo de urgente...
–Es que yo no soy un chabón psicoanalizado. Mis canciones son de autoconocimiento. No todo lo que escribo va a parar a una canción, pero si pasan más de dos meses sin componer empiezo a ponerme mal. Además, si no compongo, tampoco toco la guitarra y eso me pone peor. Lo que pasa es que amo la música, amo cantar, eso me alimenta, así que me pongo a componer por necesidad, porque si no lo hago me empiezo a secar.
–¿Cómo es el proceso creativo?
–A veces sale la melodía. A veces tengo un poema. Mejor dicho, un texto encolumnado, porque decir poema es demasiado. Bueno, si la melodía es muy cerrada hay que escribir con una métrica muy cerrada para encontrar la letra justa, con sentido para ser cantada, porque hay textos incantables. Ese es el oficio. Yo tuve esa urgencia por muchos años. Desde chico.
–¿Su primera banda fue escolar?
–Empecé en 1978. O sea que voy a cumplir 30 años con la música, aunque mis recuerdos son de cuando tenía 3 años y cantaba “Twist and Shout” con mis hermanas y una amiga de ellas. Luego empecé a escuchar la radio y me la pasaba con el Sgt. Pepper's. Creo que a los 10 años se me ocurrió traducir “Lucy in the Sky with Diamonds”. Pensaba que cantaba una chica, hasta que mi hermana me dijo que no, que era John (Lennon). Yo no lo podía creer, tenía que saber qué decía esa canción. Agarré un diccionario y con lo poco que había aprendido en la escuela empecé a sacar la letra. Me estaba preparando intuitivamente para escribir. De inmediato me di cuenta que “Muchacha (ojos de papel)”, de Luis Alberto Spinetta, y “Canción para mi muerte”, de Sui Géneris, eran distintas a "noche en la ciudad / sábado". Por esa época un amigo me regaló un disco que le resultaba inescuchable y era ¡Aquelarre! Después fui al colegio y conocí a uno que tenía una guitarra eléctrica. En 1978 armamos la banda y en 1979 debuté. Cuando terminé la secundaria estudiaba para ser físico químico. ¡Qué absurdo!
–Tiempos difíciles...
–Ya andar por la calle despertaba sospechas. La policía nos volvía locos. Ser rockero era estar parado en la vereda de enfrente, la música era una actitud política, pero nosotros éramos muy chiquitos y no entendíamos nada. Teníamos 14 años, estábamos fuera de rango y creo que por eso no nos pasó nada. Los chicos de la Noche de los Lápices tenían un par de años más que nosotros. Hoy no pasa nada, no hay "política pop" aunque no hay que dejar de ver que una canción de un pibe siempre va a decir algo.
–Aunque no lo quiera...
–¡Claro! No me banco a los rockeros que se quejan del rock chabón, o los que critican la cumbia. Ellos dicen “somos chorros, somos drogadictos, somos putañeros y estamos acá”.
–¿Su recorrido del rock a lo folclórico quiere decir algo?
–No fue buscado. Tiene que ver con un trabajo espiritual, de intuición. No es que quiero hacer música latinoamericana contra el imperialismo opresor. Eso lo hacía antes, cuando era hippie. Después llegó Don Cornelio. Y después quería hacer hardcore y terminé haciendo Los Visitantes, con los que tuve una etapa de locura y experimentación psicodélica. Me salía “Estaré” y surgió la música de raíces, me salen Salud Universal, Espiritango y Maderita. Los ancestros hablaron a través de nosotros. Y ahora hay bandas y solistas que trabajan esa veta desde lo instrumental, la sonoridad o las letras. Gente que se deja llevar por las raíces, que se vuelca al bandoneón, a la guitarra criolla, a la percusión. Un movimiento incipiente en la búsqueda de una música más original y propia. Hay una nueva música de fusión de las culturas del mundo. Y hay un movimiento argentino original del que me siento parte. Es como en la plástica. Ahora nadie es pop, ni expresionista, ni cubista, sino todo junto. Me hice en la calle, con la dictadura. Soy la vanguardia. Me gusta laburar y mi lugar es muy mío.

Walter Malosetti abre las noches del Notorious platense

Por Miguel Russo
Esta noche, a las 21.30, Walter Malosetti, figura central del jazz inaugura el nuevo local de Notorious en el Pasaje Rodrigo (primer piso de 51 e/4 y 5). Walter nació en 1931 en Córdoba y actúa en el ámbito jazzístico desde los veinte años, integrando diversas orquestas. También formó en el trío Crazy Fingers (con Carlos Constantini y Rubén López Furst) y los grupos Blue String y Swing Timers. Y fue invitado a grabar con Lalo Schifrin, Oscar Alemán, el Gato Barbieri, David Lebón. En 1986 viajó a Europa como músico invitado de los principales clubes de jazz de Madrid, París, Copenhague, Londres. Luego fundó el cuarteto Satch, integrado por Enrique Varela, Jorge Cichero y Javier Malosetti (por supuesto, su hijo). En 1990 formó el cuarteto Swing Club. En 2003 realizó un ciclo de presentaciones con el pianista Jorge Navarro. 6 discos, 11 métodos para guitarra y una escuela de música que fundó y dirigió hasta hace menos de un mes. Señoras y señores, con ustedes, Walter Malosetti.
–¿Qué siente al ser elegido para inaugurar este Notorious platense?
–Me siento honrado. Notorious para mí tiene mucho valor, desde hace diez años, aproximadamente, me estoy presentando en el Notorious de Buenos Aires y en cada actuación el público siempre demostró, con sus aplausos y sonrisas, la aprobación hacia mi trabajo artístico junto a los músicos del grupo. Me enorgullece estar en La Plata inaugurando este hermoso lugar en el Pasaje Rodrigo.
–¿Por qué eligió el formato cuarteto para su show del viernes?
–Me es muy grato interpretar los temas de jazz tanto en trío como en cuarteto, porque en las dos formas surgen climas distintos e interesantes. En el caso de esta noche, la segunda guitarra, el contrabajo y la batería brindan amplia sonoridad rítmica y armónica al grupo.
–¿Formaría, en la actualidad, una banda de jazz?
–No está en mis planes actuales, pero la idea siempre la tengo presente. Es una experiencia muy interesante. He actuado en bandas de jazz tradicional y tuve el gran placer de tocar mis temas junto a Mariano Otero con su orquesta cuando me homenajearon en el Festival de Jazz de Buenos Aires 2008 en el Teatro IFT.
–Usted recorrió la ruta del jazz norteamericano (New Orleans-Chicago-New York). ¿Reconoce una ruta del jazz nacional?
–¡Qué grandes recuerdos de aquel recorrido! En la Argentina, actualmente, el jazz es escuchado e interpretado en todas las capitales y ciudades. Es muy importante para mí ver que el jazz ha pasado a ser un género más comprendido e interpretado por las nuevas generaciones, Cuando comencé a escuchar y tocar jazz puedo decir que era muy poca la gente que se acercaba. Vivir este momento de auge jazzístico en toda la Argentina es para mí como un premio.
–¿Existe la posibilidad de que haya un jazz argentino o es una aberración decretar nacionalidad a un género musical?
–El jazz es universal, no tiene fronteras, se practica en todos los países con la personalidad propia de los músicos del lugar, aportando más y más al género, destacando siempre que se originó por la influencia africana en América.
–¿Qué fue cambiando en su manera de entender la música desde All of me, su primer disco, de 1992, a Palm, su último trabajo, de 2006?
–He evolucionado incorporando todo lo que me han aportando los grandes intérpretes como Jim Hall, Clifford Brown, Charlie Cristian, Oscar Alemán, Django Reinhardt. La lista es muy larga. Siento el jazz con la misma pasión que cuando tenía 10 años. Ahora, a los 77, soy enormemente afortunado por el acierto en mi elección de vida.
–¿Por qué se desvinculó de su escuela de música?
–Estos dos años que di mi nombre y mi dirección musical a la escuela fueron muy satisfactorios, pero mis actividades personales, actuaciones, giras, no me permitían cumplir mi rol como deseaba. Dejé a los continuadores un lugar que seguro desarrollarán con total éxito.
–Tributó a Django Reinhardt y a Oscar Alemán, ¿a qué otro guitarrista querría homenajear con un disco?
–Charlie Cristian, Jim Hall, West Montgomery. Fueron mis grandes maestros.
En mayo y junio, Walter Malosetti viajará a Madrid para hacer 14 presentaciones. Pero antes, ahora, esta noche, será el gran momento en que, a partir de su guitarra, Notorious abra su club de jazz en La Plata.

Notorious: una suerte de Blue Note en pleno corazón platense

Rubén Bondoni y los últimos pasos de su nuevo proyecto: Notorious antes que la música y la literatura lo invadan todo (foto: Eva Cabrera)

Por Miguel Russo
Primer y segundo piso de la calle 51, entre 4 y 5. Balcones que asoman a la rambla y sus árboles. Por ahora, se sienten los apurones de último momento para que todo esté en orden. Pero a partir del viernes, desde esos balcones saldrá música para toda la ciudad. Es que en el remodelado Pasaje Rodrigo, inaugurará este viernes Notorious (el mismo espacio cultural que funciona en la Ciudad de Buenos Aires) y en donde conviven librería, disquería, restaurante y shows. Rubén Bondoni, dueño de la marca, escucha, sugiere, firma, mira planos, va y viene controlando los últimos retoques para que todo esté listo en el puntapié inicial del viernes. Entre esas idas y vueltas, café de por medio, cuenta: "La Plata me eligió a mí. Dos personas del emprendimiento del shopping Pasaje Rodrigo se acercaron hace cuatro años, cuando comenzaron a armar el proyecto buscando un negocio ancla que tuviese que ver con la cultura y no un Mc algo o el mundo de las hamburguesas. Notorious les pareció una propuesta interesante. El proyecto me pareció interesantísimo y cuando vi el lugar, aunque todavía estaba todo por hacer, me enamoré. Luego de cuatro años, aquí estamos. Hay incertidumbre por saber con qué nos vamos a encontrar al abrir, pero confiados en que el proyecto, tanto el del Pasaje en general, como el de Notorious en particular, es lo mejor que tenemos”.
–En el segundo piso funcionará el restaurante y lugar de los shows. En el primero, la librería y la disquería. ¿Qué tipo de música y de literatura va a vender?
–La idea es encontrar la mercadería que habitualmente no se encuentra en otros lugares. Ya sea porque no tienen interés en mostrarlo o porque no tienen espacio para hacerlo. En discos, apostamos por lo que producen los sellos independientes, que vienen ocupando un espacio en el mercado desde hace varios años con un porcentaje bastante interesante. En literatura lo mismo. No buscamos el best seller ni los libros de venta rápida. Nada que tenga que ver con lo prometido desde los cuarenta principales.
–¿Y en cuanto a los espectáculos?
–Lo mismo. Arrancamos con jazz, con Walter Malosetti, pero en los días siguientes tenemos a Yusa, a Tatiana Parra, Fulanas Trío. La idea es acercar algunos espectáculos que por diferentes razones no llegaron a La Plata y otros que son netamente platenses.
–Cuando haya espectáculos, ¿seguirá funcionando el restaurante?
–Sí, queremos continuar con el concepto que había en el café concert o que tiene el Blue Note. Un espacio donde la gente pueda almorzar o cenar y ver un espectáculo, una muestra fotográfica, escuchar un disco o leer un libro. Es un centro cultural completo, con after office, presentaciones de libros, muestras, shows. Un espacio para la cultura.
–Dentro de un shopping, con todos los prejuicios que eso acarrea...
–Exacto. Se tienen prejuicios con relación a los shoppings, pero nosotros queremos revertir esa tendencia. Es un shopping a la criolla.
–O una especie de Blue Note platense...
–Ojalá sea así. Cuando decidimos tentar fortuna con nuestro proyecto Notorious en España, nos encontramos con que el público de Madrid o Barcelona era totalmente distinto al argentino. El público argentino se desvive por tener una buena mesa y el español lo único que quieren es un lugar en la barra. Hay que adaptarse al contexto. Cada país tiene sus códigos y cada ciudad las tiene también. En Blue Note, hay mesas para seis y la gente va llegando y se va sentando, sin conocer a los otros que la ocupan. Piden una copa, fuman, charlan y escuchan música. La mejor banda. Son conceptos diferentes de lo que es un espacio cultural. Una vez, un músico de Nueva York, me dio una clara definición de esos espacios: si no hay humo y alcohol, no hay un club de jazz. Nosotros creemos que puede haber un club de jazz acá. Queremos demostrarlo. La movida cultural platense es lo suficientemente fuerte como para que ocurra.

Crece la producción discográfica de las bandas de rock de La Plata

Por Miguel Graziano

Ya se viene el quinto disco de Estelares. El corte de difusión empezará a sonar en apenas unos días más en las radios y la televisión. Y habrá notas en los diarios de todo el país. Pero el rock platense sigue con su hiperactividad creativa en el cuadrado, con decenas de producciones independientes que ganan las calles. Ya salió el disco de Don Lunfardo y se viene lo nuevo de La Ira del manso, una de las bandas que podría explotar en 2009. Y también presentarán sus trabajos bandas como Mata Mil, Falso Primer Ministro, Travesti Fea, Encías sangrantes, La vieja bis, El Majebrí, Sin Futuro, Dread Negast y la revelación del Indie en 2008: Valentín & los Volcanes. Y entre los solistas, Chico Ninguno, Pablo Matías Vidal y Federico Kempff.
El año que terminó tuvo a algunas de las bandas platenses en lo más alto de la consideración rockera. A los discos de El mató a un policía motorizado, Norma, Mostruo, 107 faunos y Villelisa (entre otros) les llovieron elogios. Este año, no es menor la expectativa sobre bandas como La Ira del manso, que prepara el sucesor de Viaje a la Luna.
El nuevo material de La ira… será grabado en estudio propio y buscará sonar como lo hace la banda en vivo, con potencia punk, pero con matices melódicos que la acercan al pop. La banda, que se formó en 2001, está preparando su cuarto disco, después de Viaje a la Luna.
En febrero salió a la venta el disco de Don Lunfardo y el señor Otario, aunque la fecha de edición del material será motivo de discusión porque el disco estuvo disponible para bajar por Internet desde el mes de diciembre. El pack de Paracaidistas en franco retroceso, sin embargo, dicen que es imperdible.
Encías sangrantes entrará a grabar su segundo disco en los estudios “El pie”, de Alejandro Lerner, a principios de mayo. Y La vieja bis ya está grabando, aunque todavía no hay fecha confirmada de salida del material, se supone que estará en la calle a mediados de año.
En cuanto al reggae, Dread Negast lanzará en breve Luz verde, del que ya puede verse el video del tema “Música”, filmado por Federico Panizza. El nuevo material estará disponible entre fines de abril y principios de mayo. El Majebrí & los sonidos antisistema también está grabando su nuevo disco, que llamará Antes del fin y del que el año pasado adelantara cuatro temas en un EP.
Los que siguen a las bandas punks ya tienen para escuchar el tributo a los Cadillacs en el disco Todos queremos tocar el cielo, donde los platenses de El Perrodiablo hacen “Conversaciones nocturnas”. Además, la banda Sin Futuro, ya está grabando las bases de su próximo demo, que esperan convertir en disco antes de fin de año.
Entre los debuts también hay que anotar el disco de Travesti Fea, banda de riff que apareció en el compilado Corazones de alcaucil con el tema “Canción de amor para una moza”, convocados por el sello Cloe. El disco estaría disponible a mediados de mayo.
Entre las bandas que andan es los escenarios desde los ´90, este año presenta disco nuevo Falso Primer Ministro. El material ya fue mezclado en los estudios Hollywood, de City Bell, con la producción de Alfredo Calvelo. El disco llevaría el nombre de Alealandia. Tienen, además, un nuevo videoclip: “Días de viaje”, que puede verse en internet.
Otro que viene desde aquellos años y tiene un nuevo disco bajo el brazo es Federico Kempff. El ex Siempre Lucrecia presentará su segundo disco como solista. El sucesor de Tardes de Sol se llama El lugar que nos espera para ir y cuenta con la participación de Facundo Soto, de Guasones, como invitado en una canción.
El rock experimental tendrá lo suyo con Mata Mil, que graba su primer trabajo, de corte industrial, con una formación tradicional de guitarra, bajo y batería. También Doppler vuelve en 2009 con su tercer disco. La banda, que se formó en 2001, se separó en 2005 y volvió a reunirse el año pasado, ya está grabando.
Entre los cantautores, Pablo Matías Vidal parece que dejará atrás sus grabaciones “ultra caseras made in Ringuelet” y comenzará a grabar un disco con una banda aún en construcción. Dicen que el material de quien es conocido como “El Mago” llevará el título de Verde Vilma.
Otro de los que se las trae este año es Chico Ninguno, que viene a presentar en los próximos días un disco doble –parte electropop y parte acústica– que llevará el título de Chico no correspondido. El trabajo será presentado en abril.
Una de las bandas revelación de 2008 fue Valentín & los Volcanes. La banda de José Goyeneche se metió en el estudio de Shaman Herrera, donde trabajan en su disco debut. Goyeneche fue cantante y compositor de Aneurisma y Kevin, históricas bandas fundacionales del género alternativo platense en las cuales compartió filas con Santiago Motorizado y Dra. Muerte, hoy en El mató un policía motorizado.
En fin, un brevísimo y apretado panorama de lo que se viene en el rock platense en este 2009, con algunos discos que ya pueden escucharse y otros por los que hay que esperar, pero tampoco tanto.

Ya sale el nuevo disco de Estelares
Aunque estará disponible en pocos días más,el nuevo disco de Estelares aún no tiene nombre. Se puede adelantar, sin embargo, que tendrá varios invitados: Fito Páez (en “Autobuses”), Ariel Rot, Los Super Ratones, Coki Debernardis, Carlos Banderas y, como siempre desde que los produce, el perico Juanchi Baleirón.
Mientras los músicos analizan el tentativo nombre de Una temporada en el amor para el nuevo trabajo, ya se sabe que el primer corte de difusión será “Cristal”, que dice: “se muy bien como cambiaron las cosas / ya pasó el verano, ya pasaron las playas / la arena moja la espuma en el mar / si hubiera sabido pedir perdón... / Somos tan frágiles / tan memorables”.
En las entrevistas previas, en las que dieron por la despedida de Sistema Nerviso Central, los Estelares dieron algunos indicios sobre el trabajo que grababan. Moretti y (el bajista) Pablo Silvera lo calificaron como “genuino”. Además, el cantante aseguró que el nuevo material supera al anterior. “La banda sigue evolucionando, sigue dando música, seguimos dando canciones, melodías, letras que están buenísimas”, aseguró. Y Silvera agregó: “uno tiene que ser honesto con lo que hace. Y eso también genera una tranquilidad. Lo que nosotros tenemos para dar en este disco es súper honesto”.
El cantante afirmó que el disco viene “rosqueado a nivel carga de letras”. Y explicó que “lo que es rock es bien rock, lo que es medio tanguero es bien tanguero, lo que es medio rhythm & blues lo hacemos así, lo que es medio melódico lo hacemos para ese lado. La continuidad de estar tanto tiempo juntos ha abierto compuertas compositivas que por lo menos yo no las tenía pensadas conscientemente".

Blanco sobre negro en las voces del jazz

Por Miguel Russo
Hubo una época en que las mejores voces femeninas del jazz eran, sin discusión posible, negras: Bessie Smith, Carmen McRae, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Billie Holiday. Mujeres que se indignaban frente a los términos “reina" o "emperatriz" o "princesa" con que se las nombraba en los Estados Unidos mientras los negros no tenían ningún derecho a nada en el mismo país, salvo el de ser apaleados hasta morir por los blancos del "gran sueño americano". El jazz sigue siendo la música del universo, resulta complicado discernir si mejoró o empeoró. Pero lo que indudablemente creció fue el universo. Algo: al menos ya no apalea negros legalmente. De todos modos, la supremacía negra en las vocalistas fue perdiendo terreno, más allá de las muchas y muy virtuosas cantantes. Y una nueva camada de espléndidas voces fue ocupando el lugar. Por increíble que parezca, esas voces (mejor dicho, sus pieles) son blancas. Es el caso de tres de las mejores que, por brillante coincidencia, acaban de publicar sus nuevos trabajos al mismo tiempo: Bare Bones, de Madelein Peyroux; My One And Only Thrill, de Melody Gardot, y Quiet Nights, de Diana Krall.

Una. La cantante y guitarrista franco americana Madeleine Peyroux inauguró la serie de lanzamientos de las grandes vocalistas con Bare Bones, magnífico sucesor del sorprendente Half The Perfect World (de 2006). Álbum de búsqueda interior, Peyroux metió en él todo lo que había desarrollado durante su carrera. "Esto es realmente una nueva experiencia para mí; como si volviera a hacer mi primer disco", dijo la cantante. Con temas de claras remembranzas de Leonard Cohen, el CD de Madeleine es rico en precisión y tensión emocional.
Ella misma define su trabajo como "la no inclusión en la canción de nada que no necesite estar ahí, pero sí contar lo suficiente de una historia como para conseguir todo lo que necesita". El disco se grabó casi todo de un sentada, compartiendo el espacio del estudio por todo el grupo para darle un sabor más orgánico (como quería Miles Davis). La canción que da título al álbum llevó una toma; "Homeless Happiness", dos. Ninguno de los once temas necesitó más de cuatro. La voz de Madeleine, una voz que parece venir del fondo de los tiempos, suena más segura que nunca.

Dos. Pianista, guitarrista, compositora, dueña de una voz profunda y particular, con 26 años, Melody Gardot se afirma con su segundo trabajo, My One And Only Thrill. La historia le jugó una mala pasada a esta chica de Filadelfia. Víctima de un gravísimo accidente aéreo, Melody estuvo a punto de morir, y se sobrepuso de las graves secuelas del siniestro. Lo logró: su disco debut, Worrisome Heart, la posicionó como la nueva sensación jazzera en 2008. Con infaltables anteojos negros (sufre de foto-sensibilidad), bastón y un halo de sofisticación que remite a otras épocas del jazz, Melody susurra deliciosamente, más que canta, una poesía melancólica de arreglos ajustados. Su creatividad trasciende géneros: todo es jazz, y punto.
El nuevo material se compone de diez canciones propias más una excelente versión del clásico "Somewhere Over The Rainbow". Frente al piano, con la guitarra y siempre con su voz, Gardot cautiva con su frágil encanto de chica retro. El disco se fue gestando durante nueve meses de gira con su banda para llegar al estudio absolutamente compacto. Esa economía de recursos la describe Melody: "Lo que hace un gran disco es tener cerca a losque te conocen instintivamente y saben lo que querés, incluso sin pensarlo".

Tres. Quiet Nights, el nuevo disco de Diana Krall, es una sucesión de baladas y bossa novas en las cuales se despliega su inigualable talento vocal y pianístico. Es que Diana retomó su amor por la música brasileña y se inspiró para darle el tono a esta colección de canciones que estilísticamente, y ya desde el título Quiet Nights (o Corcovado), remiten de manera directa a ese estilo tan querido y popular en todo el mundo: la bossa nova. No es casual que allí esté "The Boy From Ipanema", una versión en inglés y con protagonista masculino del tema símbolo del movimiento musical que acaba de festejar su 50 aniversario. O en el tema en portugués "Este Seu Olhar". El nuevo trabajo de la mujer blanca que canta con voz de negra debe mucho al papel de Ogerman (que salió de su semi-retiro en Munich sólo para volver a trabajar con Krall), orquestando de una manera diferente temas que él mismo trabajó desde el inicio –fue el arreglador de muchos de los discos pioneros de quienes universalizaron la bossa: Jobim, Gilberto, Sinatra, Stan Getz, Bill Evans–. En este Quiet Nights se vuelve a lucir el cuarteto de Diana: la base de John Clayton y Jeff Hamilton (que fueron sus maestros), Anthony Wilson en guitarra y la percusión del brasileño Paulinho Da Costa. Pero todo sería nada si no estuviera ella allí, diciendo que se canta de esa manera. En blanco, en negro, en jazz.

Música para el National Geographic

Por Lucía Zapata
El cantante platense Hugo Berardi fue invitado por My Space y National Geographic Chanel para ingresar al concurso de canción concontenido ecológico que organizan. “Míranos” es el nombre del tema que Berardi inscribió en el certamen y necesita que la mayor cantidad de personas voten la canción, para que clasifique entre las diez primeras. Si accede a ese puesto, podrá consagrarse para sonar en el Día Mundial de la Tierra, el 22 de abril.
–¿Cómo recibió la invitación para participar de este concurso?
–Recibí un mail y pensé que era una convocatoria para mucha gente. Pero después, hablando con otros músicos me di cuenta que no era así, y de hecho, no encontré a nadie que recibiera la invitación. A raíz de eso, armé un logo en My Space, porque era el requisito para subir la canción y formar parte del concurso.
En 1990, Berardi dejó la carrera de arquitectura para ingresar al Conservatorio Gilardo Gilardi y estudiar canto lírico. Formó parte del grupo coral e instrumental Ecos, dirigido por Gabriel Marotta y del Coro del Club Estudiantes de La Plata, que dirigía Guillermo Mazzi. Pero la mayor parte de su carrera musical la hizo como solista: “Tengo una idea y la quiero desarrollar, y la única manera de hacerlo es haciéndome cargo yo”. Su objetivo arriba del escenario es contar cosas "que tengan que ver con la realidad de todos. Algunas son realidades individuales y otras colectivas. Hay mucho contenido social en las canciones”.
–¿Qué realidad cuenta “Míranos”?
–Yo tengo “Míranos” desde hace 14 años, y tuve que dejar de cantarla porque la gente me decía que era pesimista. Siempre me informé sobre cuestiones ecológicas, aunque no soy un especialista, pero traté de investigar y lo que veía ya en esa época me indicaba que las cosas no estaban bien. A las personas no les gustaba, sobre todo, el final del tema. Pero con el paso de los años, lamentablemente, se demostró que yo tenía razón, que si no miramos lo que estamos haciendo, corremos el riesgo de, en pocas décadas más, no tener nada para mirar. Veo que las cosas fueron empeorando con mucha mayor intensidad que lo que yo mismo pensaba y en mucho menos tiempo de los peores presagios. Recuerdo que ya venía pensando en un tema así, y el disparador definitivo fue un documental que estaba viendo sobre unos pingüinos empetrolados en la Patagonia.
–¿Por qué cree que la gente puede llegar a votar o no a su canción?
–Una canción es como un hijo para uno, y un hijo es lo mejor que hay. Dicho esto, para mí, mis canciones son las mejores. Y, aunque no pueda hacerlo, trato de ser objetivo: analizo la canción verso por verso y me parece que cuenta realidades, cosas que realmente suceden. Pueden no votarla por el final, que es pesimista, pero creo que refleja la realidad: el pesimismo no está en la canción, sino en la realidad misma. Es decir: no es pesimista la canción, sino que es pesimista la realidad. Esa sería la definición exacta.

El Tema
Míralos: ciertos ríos que se enturbian, ciertos mares que oscurecen. Míralos: ciertos verdes se resecan, ciertos bosques ya no son. Míralos: ciertos cielos que, plomizos, nos ahogan con su hedor. Míralos: ciertos peces en la arena, ciertas aves ya no vuelan. Ahora míranos a nosotros aquí, echando más y más leña en el fuego del mal. (...) Míranos: una especie muy idiota quemando su propia casa, sin comprender los valores naturales de esta vida. Míranos: un suicidio colectivo. (...) Tal vez en poco tiempo no haya nada, nada que mirar.

Stabat Mater sonará hoy en San Ponciano

Por Lucía Zapata
La Camerata Académica del Teatro Argentino, bajo la dirección de Guillermo Brizzio, realizará hoy y mañana dos conciertos. Interpretarán Adagio y Fuga para cuerdas, K. 546, de Wolfgang A. Mozart, y el Stabat Mater, de Giovanni Battista Pergolesi. Esta última pieza contará con la participación como solistas de la soprano Ana Laura Menéndez y la mezzosoprano María Florencia Machado, además de la intervención como organista de Armando Fernández Arroyo.
Aquellos que quieran disfrutar de estas piezas, tendrán dos oportunidades en dos escenarios distintos. Esta noche el concierto se ofrecerá a las 20, en la Basílica de San Ponciano (48 entre diagonal 80 y 5) con entrada libre y gratuita, la otra presentación será mañana a las 20 en la Sala Astor Piazzolla del Teatro Argentino (51 entre 9 y 10) con entradas a precios populares.
El encargado de dirigir ambos conciertos será Guillermo Brizzio, quien durante su carrera ocupó diferentes cargos en la actividad musical: fue director de estudios del Teatro Argentino de La Plata (1977/1979); director titular de la Orquesta Sinfónica de Bahía Blanca (1980/1985); dos veces director artístico del Teatro Argentino de La Plata (1985/1986, 1992/1993) y director de estudios del Teatro Colón (2005 / 2007). En 1997 fue invitado por el Theater & Philharmonie Essen, de Alemania, Aalto Theater, participando en sus temporadas de ópera. Y para Buenos Aires Lírica dirigió Macbeth de Verdi (2004), Der Freischütz de Weber, Le nozze di Figaro (2005), Faust (2006) y El holandés errante (2007).
Ahora, Brizzio dirigirá la Camerata Académica del Teatro Argentino.
Con respecto a la primera de las dos obras que se tocarán, Adagio y Fuga para cuerdas, K. 546, de Wolfgang A. Mozart, el violinista Roberto Rutkauskas, del Cuarteto Vivace, la definió como "una de las obras más complejas e interesantes del repertorio de música de cámara mozartiano; un adagio y fuga de una complejidad contrapuntística y una audacia armónica como se ve en pocas obras de su autoría". Y agregó: "Se trata de una obra de madurez -si cabe, debido a su corta vida- incluido en su grupo de obras "masónicas", dentro de un contexto muy especial, ya que Mozart era masón y dedicó muchas de sus más importantes obras a este culto, entre ellas nada menos que La flauta mágica".
La Camerata también interpretará el poema latino Stabat Mater (Estaba la madre), en forma de secuencia. Esta pieza se le atribuye comúnmente a Jacopone da Todi, un fraile franciscano que vivió en el siglo XIII y murió en 1306, pero como no ha podido confirmarse su autoría, se puede decir también que el poema es anónimo.
El poema es una secuencia que consta de diez pares de estrofas de tres versos, parecida a la más extensa Dies irae para la misa de Difuntos, constituye una conmovedora meditación sobre el sufrimiento de la Virgen María durante la crucifixión de Jesús y terminó convirtiéndose en una de las plegarias devocionales más difundidas.
Aunque numerosos compositores de muy diferentes épocas y estilos se inspiraron en el Stabat Mater (como por ejemplo figuras de la talla de Palestrina, Scarlatti, Vivaldi, Rossini, Liszt, Dvorak, Szymanowski, Poulenc y Penderecki), de todas las obras resultantes, la más célebre es la de Giovanni Battista Pergolesi, que es la que se escuchará hoy y mañana a cargo de La Camerata del Teatro Argentino. Este compositor nació en Jesi, en el año 1710 y fallecido en Pozzuoli (Nápoles), en 1736. A pesar de su corta edad, el italiano cultivó con igual pericia los géneros religiosos y los profanos (La Serva Padrona, por ejemplo, otra de sus creaciones perdurables, sigue siendo considerada un auténtico modelo dentro de la ópera bufa). Su conmovedor Stabat Mater, máxima muestra de la originalidad y la belleza que Pergolesi era capaz de alcanzar, fue escrito cuando el joven autor ya se encontraba al borde del sepulcro, sumido en la miseria y el abandono.

Cierran los bares y las bandas tocan en la calle

Por Miguel Graziano
El dueño de un bar se olvidó de abrir sus puertas y varias bandas y solistas se quedaban sin concierto, pero llegaba público y algunos artistas podían tocar sin amplificación, por lo que organizaron una zapada en la calle. Fue el domingo en Diagonal 74 y calle 8, en la puerta de Stakes, el bar que quedó cerrado. Tocaron Pablo Matías Vidal y Bicho Bolita, futuro Bicho de Luxe, un artista neuquino que tuvo un paso por La Plata a principios de 2000 y volvió de visita unos días, para tocar en vivo y grabar algunas canciones.
“Fue una desinteligencia de la gente que organizo la fecha. Pero bueno, suele pasar que la gente de los bares, salvo casos muy especiales, no se copan con las bandas”, explicó a Diagonales Chico Ninguno, uno de los artistas que estaba anunciado y se quedó con las ganas. Además, el evento iba a reunir a Raimon y Antolín, pero cuando a las 19 los músicos llegaron a la puerta de Stakes, el lugar estaba cerrado.
“Cuando dos horas después de que llegamos el dueño del bar confirmó que no iba a abrir ya era desmoralizante”, contó Chico Ninguno, “estábamos todos medio enojados. A algunos nos dio hambre y nos fuimos a comer pizza. Al rato llego un mensaje: Ricardo (Bicho Bolita) esta tocando en la puerta del bar". Chico Ninguno y los que estaban en la pizzería pegaron la vuelta a la diagonal de inmediato.
Bajo un tilo, Vidal ya había desgranado sus canciones. “Estuvo buenísimo. Y lo de Bicho estuvo zarpado. Tocó con El Tonga, que es su percusionista en la banda París gatitos”, explicó Raimon (que también toca en Hongo).
Una bolsa de maíz inflado fue la fuente de la inspiración. Más de 50 personas se habían acercado a ver el concierto, muchos de ellos estudiantes universitarios neuquinos que querían ver a Bicho Bolita y Parisgatitos, por lo que de inmediato se armó un espectáculo callejero.
“Se le ocurrió a la gente que iba llegando. No se querían ir sin escuchar y se armo un escenario improvisado bajo un tilo”, explicó Raimon. Y agregó: “los que manejan el bar evidentemente no conocen el nivel artístico que se le propone. Eso, sumado a un mal entendido, resultó con que llegamos y nos encontramos con que el boliche estaba cerrado”.
El show comenzó luego de varios llamados a los dueños del lugar, al encargado y a otros bares, entre los que figuraron Pura Vida (Diagonal 78 entre 61 y 8) y el Centro de Cultura y Comunicación (42 entre 6 y 7). Sin posibilidades de acceder a ningún otro sitio, el público fue convenciendo a los músicos, que comenzaron a bromear con una enorme bolsa de Tutuca (maíz inflado azucarado).
Dicen que algunos se fueron pero mientras tanto otros llegaban y nadie tomaba una decisión, hasta que los músicos se entregaron a la zapada en la calle.
La primera canción que sonó fue de Virus. “Bicho Bolita siempre toca en todos lados, en cualquier lugar donde esté toca. Siempre va con la guitarra”, explicó Chico Ninguno. “Hicimos unas 30 canciones con la palabra Tutuca. Cantamos Superficies de placer, pero cambiamos ´dejo crecer mi tremenda timidez´ por ´dejo crecer mi tutuca del poder´, todo muy hippie la cosa”, agregó.
Ayer a la tarde Bicho Bolita hizo un acústico en el programa Infierno Grande en Radio Universidad y también habló con Diagonales. “Llegamos el domingo a la mañana de Neuquén, fresquitos y atentos para tocar a la noche, pero no nos abrían la puerta y entonces nos quedamos bajo un árbol”, contó. Y se despidió: “el Tonga y yo agradecemos de todo corazón a los que hicieron el aguante”. Además, contó que se cambiará el nombre por Bicho de Luxe, porque no quiere que los periodistas sigan poniendo que le gustan los bichos bolitas, cuando en verdad su nombre surgió de un animé japonés.
La gente llegaba para ir al bar a ver algunas bandas, pero se encontraba con que el lugar estaba cerrado y algunos de los músicos estaban de zapada bajo un árbol. Dicen que se respiraba mucha buena onda y salió eso de hacer el concierto en la calle porque nadie se lo quería perder.

Marcos Archetti presenta su nueva banda en el Malvinas

La Banda Hermética era un símbolo de calidad indiscutida. Marcos Archetti, uno de sus integrantes, lo sabe: "Fueron seis o siete años de experiencias fructíferas en cuanto al aprendizaje y el desarrollo del lenguaje musical". Pero la historia terminó, y los motivos son tan indiscutibles como la calidad mencionada: "Empezamos tocando la música de Hermeto Pascoal lo más parecido posible. Después, hicimos arreglos y empezamos a meter nuestras composiciones. Era muy bueno, pero no dejaba de ser un grupo que hacía música de otro. Y música brasileña. Hubiera sido muy confuso intercalar un repertorio propio". Y se pregunta: "¿Un grupo tributo a Hermeto sin sus temas? Un delirio". Hoy, algunos integrantes, ante la necesidad de hacer su propia música, emprendieron nuevos proyectos. El de Marcos Archetti (y otros nueve músicos), se llama Kaymanta Kayman y hace su presentación el martes a las 20 en el Islas Malvinas (19 y 51).
–La música que compone, ¿es heredera de la de Hermeto?
–Hay un lenguaje, una forma de sentir la armonía, la melodía y la orquestación que es indudablemente de Hermeto. Pero llevo todo eso a mis propios temas y a la música folclórica: milongas, chacareras, cuecas, candombe. La música latinoamericana, para mí, es el medio.
–¿Hay diferencias entre la música latinoamericana y la brasileña?
–Seguro. Yo sentí que necesitaba acercarme a lo nacional. Lo hacía como oyente, pero me había ido de ese lenguaje para meterme en el jazz. Decidí, entonces, tocar lo que me gustaba sin renegar de nada.
–La Banda Hermética era un grupo grande. En su nueva banda son diez músicos. ¿Por qué siempre busca grupos numerosos?
–Me seduce la sonoridad de un ensamble de vientos y la música hecha de muchas capas. Con cinco vientos puedo armar acordes gordos y abiertos. Me gustan las bandas grandes por las posibilidades tímbricas y armónicas con las que puedo hacer algo orquestal. Desde el mayor respeto, es lo que trato de hacer. No cambiar el folclore, sino ponerle otros colores.
–¿Todos los temas son suyos o hay composiciones de otros integrantes?
–El martes tocaremos todos temas míos, pero en el grupo hay otros músicos que también componen. Soy el director y arreglador de la banda, pero me interesan mucho los grupos donde coexisten varios compositores.

Los de la foto
En estricto orden alfabético, Kaymanta Kayman lo conforman Marcos Archetti, Mariel Barreña, Lautaro Burgos, Bernardo Casagrande, Matías Hargo, Federico Núñez, Pili Peralta, Joaquín Pérez, Juan Ramírez y Guillermo Vera. El martes, será músico invitado Cristian Cáceres.

El platense Lucca Fontte ganó la Beca Nacional

Por Lucía Zapata
Lucca Fontte es el platense ganador del "Concurso de Becas Nacionales de Investigación" del Fondo Nacional de las Artes. La investigación que presentó aborda el tema "sobre los verdaderos lineamientos técnicos del canto académico (lírico) y el desarrollo de herramientas didácticas para su estudio", según le contó el cantante a Diagonales y agregó que "no fue sólo una investigación por escrito, sino que presenté 8 años de videos y grabaciones donde mostrábamos los resultados de la escuela que dirigo. Fue muy fuerte y muy importante que el Fondo Nacional de las Artes haya puesto su mirada de vuelta en esta clase de basamento técnico".
Cuando Lucca habla sobre "esta clase de basamento técnico", hace referencia a la escuela del Bel Canto italiano y sobre todo al tratadista sevillano Manuel García, quien "refleja con mayor claridad la confluencia de las dos grandes tradiciones técnicas: la de la retórica, de orígenes forenses y desarrollo poético, y la de la técnica vocal nacida en Italia". Y quiere aclarar que "el Bel Canto italiano es y seguirá siendo el modelo hacia el cual deberán tender todos aquellos que deseen aprender a cantar. Actualmente, los cantantes, en su mayoría, no duran. Se fatigan rápidamente por falta de preparación y desarrollo técnico vocal. Por el contrario, la gran escuela italiana obligaba a los alumnos a trabajar con método, paciencia, regularidad y tenacidad durante seis, siete o más años antes de hacer su aparición en la escena".
El amor de Lucca por la música viene de familia: su abuelo paterno, de apellido Danuncio, y su abuela materna, Bologna, eran cantantes. El don del canto se saltó una generación y llegó a él, que arrancó con sus estudios a los 4 años, con una soprano francesa, Janín Mílaga Ousko, y trabajó con ella en el Instituto de los sopranos hasta los 12 años. Como era chico, no se dio cuenta que se estaba formando "con una escuela vieja que tiene sus raíces de a fines XVII, y que no era la escuela con la que se venía trabajando". Luego llegaron otros profesores que marcaron otra línea profesional de estudio: "Eso fue bastante difícil, porque en la actualidad se generó otra forma de canto, que va en contra de la verdadera intención de este arte, que es el de comunicar, el de decir. Entonces a partir de ahí, hace 10 años, yo empiezo una investigación, que no es para generar nada nuevo sino que es para volver a las fuentes".
El concurso fue el año pasado y Lucca no quería presentar su investigación, pero unos amigos lo convencieron: "Fui un tanto pesimista, porque las investigaciones que se hacen actualmente con respecto al canto son futuristas, sobre la búsqueda de nuevas herramientas y yo repito algo que decía mi primera maestra: a no ser que el ser humano mute, la conformación genética fisiológica es igual, o sea que hay una sólo forma de utilizarla, con este propósito, el de comunicar".
La beca es un premio económico de 20 mil pesos y la publicación a futuro de una tesis o un libro sobre ese trabajo, "además va a haber un par de disertaciones en Buenos Aires, donde yo voy a exponer, pero no están confirmadas las fechas. Las corrientes modernas dicen que la escuela vieja no sirve, entonces nosotros vamos a hacer presentes como defensores de estos lineamientos técnicos, pero la vamos a defender a través de hechos".
–¿Qué significa el canto para usted?
–Es una forma de vida. Desde que me levanto hasta que me acuesto vivo con esto. Es mi gran pasión, lo que más amo hacer y lo que amo compartir y enseñar. Es lo único con lo que no siento, en ningún momento del día ni a lo largo de toda mi vida, peso, aburrimiento o cansancio. Tengo muy fija la idea de aportar desde este lugar, porque amo mucho el arte de la lírica.

Odino Faccia fue el cantante elegido como la voz de la paz

Por Victoria Giuliano
El cantante de Ensenada, Odino Faccia, recibió el premio "La Voz por la Paz en el Mundo" de las manos de Adolfo Pérez Esquivel en el Coliseo de Buenos Aires, y se convirtió, de esta manera, en el segundo artista en el mundo en ser elegido para interpretar canciones con los poemas de Juan Pablo II. Allí, el platense brindó un concierto para más de mil personas. Por otra parte, fue homenajeado con el título Honoris Causa de la Región Cerdeña, avalado por el comité de notables y 23 organismos más, entre ellos Sperpaj y Presidencia de la Nación.
En 2008, brindó en este mismo escenario porteño, su primera producción artística Adesso/Ahora, teniendo como invitado especial a Luciano Pereyra, con quien realizó dos canciones a dúo y espera para 2010 realizar su presentación en el festival de San Remo, Italia.

Sus primeros pasos. Sus comienzos fueron en 1988 con el maestro Estévez, en canto y guitarra, dando sus primeros pasos en el folclore. Sin embargo, una beca de la región de Abruzzo, lo llevó años más tarde (1994) a lanzar su carrera como solista impulsado por la cantante italiana, Laura Pausini.
Una vez instalado en la Argentina, retomó sus estudios de canto con Emilce Vasaro y más tarde realizó sus primeras presentaciones en La Plata, Buenos Aires, Mar del Plata y Santa Fe.
Sin embargo, viajó nuevamente a Italia, en 1998, y luego de unos meses de incansable trabajo y búsqueda de reconocimiento, empezó a ser tenido en cuenta por la región de Calabria y Bari donde fue considerado como el sucesor argentino de Ricky Martin. A partir de allí, su carrera tomó nuevos rumbos apadrinando espectáculos y realizando presentaciones en diferentes eventos culturales italianos.
Hacia 2006, se volcó hacia el estilo italiano, considerado como "la voz embajadora de la música italiana en la Argentina", representando a la comunidad italiana en el exterior.
Con un crecimiento incesante, Odino Faccia, marcó un continuo desarrollo dado no sólo por sus dotes artísticas sino también por su carisma personal.
–¿Cómo fue el regreso al país y tener que volver a empezar?
–Siempre lleno de esperanza. Un sin fin de emociones encontradas. Y volver a empezar siempre es difícil, pero con el apoyo de la familia, de tus seres queridos, que al tenerlos cerca le dan un toque de tranquilidad a la situación. Empezar cuesta arriba es siempre duro, pero a todo se llega, cuando se quiere bien.
–¿Cómo ve el desarrollo de los artistas a nivel nacional?
–Los artistas instalados, veo que la tienen que pelear tanto o igual que el primer día, obviamente no veo apoyos fuertes sobre los mismos. En general, creo que deberían empezar a tomar más conciencia y ver más a la persona, y luego al artista, para ser mejor explotado, porque un artista no es sólo aquel que canta o está en el escenario, un artista, ante todo es una persona como todos, que desarrolla un arte, nada más. Cuando se empiece a entender eso, van a tener mejor desarrollo.
–¿Cuáles son sus próximos proyectos?
–En lo inmediato, figura la de concretar la gira nacional e internacional del CD Adesso/Ahora e incluir las poesías de Juan Pablo II. Espero llevar mi música por todo el país, y que la gente sienta que yendo a mi espectáculo se sienta reconfortado y respetado, que pueda cantar, participar y emocionarse.

Coplanacu llega mañana al Coliseo Podestá

Por Lucía Zapata
El dúo Coplanacu sube mañana a partir de las 22 al escenario del Coliseo Podestá (10 e/ 46 y 47). Julio Paz y Roberto Cantos se conocieron en la década del ‘80 en Córdoba, "en la movida de las peñas, lugares chicos donde se guitarreaba. Nos juntamos de manera improvisada, bastante informal diría, y de a poco fue cobrando otra dimensión, y acá estamos todavía", arranca Roberto, mientras saluda a un conductor que pasa por calle 10 y estira la cabeza para darles la bienvenida a la ciudad con un "aguante los Copla".
El nombre del dúo surgió dos meses después de que los músicos se unieron: "Yo tenía un diccionario quechua, porque nosotros sabemos sólo algunas palabras y vi nacu, después le sumamos copla y la palabra compuesta tenía lindo sonido. Uno nunca sabe qué va a pasar con esas cosas, pero pegó y es el nombre con el cual se nos identifica", contó Roberto. Para los que no tienen el diccionario, como en su momento lo tuvieron Julio y Roberto, el sufijo “nacu” da idea de reciprocidad, encuentro, comunicación y ellos le agregaron el término copla "como célula de nuestro cancionero".
–Presentan su disco TaqueTuyoj, ¿qué los inspiró para hacerlo?
Julio: –Es una historia larga. El nombre proviene de un lugar, que es un paraje en el corazón de Santiago. Cuando pasás por la Ruta 9 hay unas salinas y ahí se halla un paraje de 4 o 5 casas, Taque Tuyoj, donde viven artesanos, sobre todo teleras, y esa es su forma de vida de hace mucho tiempo. Tejen mantas, que realmente representan una tejeduría con mucha identidad de Santiago, pero fundamentalmente las tejedoras son muy emprendedoras, valientes y alegres para enfrentar la vida de ahí, criar sus hijos, a su familia y tener una actitud muy fuerte como mujeres. A nosotros nos ha gustado mucho todo lo que ellas desarrollan, y nos contactamos con ellas a partir de un festival muy lindo que se hizo en el medio de la salina. Esa experiencia nos partió el alma, nos encantó, y nos impactó tanto que le pusimos al disco TaqueTuyoj. También hay un tema directo para ellas, para las tejedoras. Es muy particular lo que a una persona le pasa caundo pasa por ahí, y ve una manta, porque es un retrato del colorido del lugar: del monte, de las flores, de la sutileza y del paisaje humano.
Además de tocar los temas de su último disco, los Copla van a cantar "temas de gente que admiramos nosotros desde siempre", según las palabras de Julio, quien ejemplificó que "hoy por hoy, si a los chicos le nombrás a Violeta Parra no saben quién es, y es una institución de nuestra música popular latinoamericana, y es interesante que obras como ‘Volver a los 17’ pueda escucharla un joven, porque tiene una delicadeza y una profundidad en la letra, en lo poético, que es una definición de la música popular. También supongo que vamos a cantar algunos clásicos, lo que intercambiemos con la gente".
En medio de la entrevista con el dúo, se acercó un hombre con papel y lapicera y se dirigió a los dos hombres diciendo: "El cholulaje puede más que yo. ¿No me firman para mi señora Silvia que es súper fanática?". Los Copla estamparon su firma y saludaron al señor con un "listo chango, nos vemos el viernes".
–¿Qué sienten ustedes cuando la gente se acerca a demostrarles su afecto?
Roberto: –Es muy lindo, sentimos que es un acto afectuoso, no nos creemos lo de la admiración y no nos situamos por sobre la gente o lejos, sino todo lo contrario. Queremos que sea un acto simple como éste: que te pidan un autógrafo o una foto, y tiene que ver con el afecto y no con el talento que podamos tener. Y es una cosa muy compartida, porque nosotros tratamos de devolver lo que nos dan. Es lindo que lo que uno hace le llegue a la gente, le sirva y los conmueva.
Sobre el tipo de música que escuchan en la actualidad, Roberto contó que le gusta todo lo que tenga que ver con los folclores de cualquier parte del mundo: “Escucho flamenco, jazz, folclore latinoamericano, todo lo que hable del hombre formando parte de su paisaje. En mi caso escucho lo que me conmueve”. Mientras que Julio se siente conmovido por "la cosa pasional. Que venga de cualquier lugar del mundo y de cualquier género: desde el rock al hip hop. Donde veo que hay pasión y una cosa verdadera, eso me conmueve y me hace sentir bien escuchándolo. He escuchado Limp Bizkit y Yo Yo Ma, que es un violoncelista, tocando él y cantando Rosa Paso. Me gustan muchos tipos de música, pero fundamentalmente, prefiero lo que se lee verdadero".
–¿Y cómo leen ustedes a la música que hacen?
Julio: –La leo como que más allá de que le guste o no a alguien, es verdadera. No podemos cantar algo que no sea desde la verdad, lo que hacemos o sale verdadero o no sale.
Para finalizar, Roberto adelantó qué es lo que ellos quieren que suceda en el reencuentro con el público platense: "Esperamos que se arme una fiesta. Nosotros disfrutamos mucho de la participación de la gente cantando y bailando. Nos parece mucho más importante compartir estas canciones que proponerlas, porque lo que cantamos nos pertenecen a todos, o por lo menos llevan esa intención, que cada persona las tome, las incorpore y forme parte de su bagaje, para eso cantamos, para compartir. Nuestra expectativa es la de siempre: que se arme una cosa cálida, intensa, donde las canciones sean las verdaderas protagonistas".

Y un día volvió Charly

Por Miguel Graziano
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Los diarios digitales comenzaron a anunciarlo en sus portadas, los canales mandaron sus móviles para transmitir en vivo y las radios comenzaron anunciarlo en los noticieros. Vuelve Charly, decían. Y anunciaban que el evento iba a ocurrir apenas unas horas más tarde frente a la Basílica de Luján. Y así fue, a las 18, tan puntual como nunca y tan impresionante como siempre. El regreso se produjo ayer, tras ocho meses de ausencia de los escenarios y el comienzo de un largo tratamiento de rehabilitación por su adicción a las drogas.
Vestido con jean, camisa, saco y corbatín azul –igual que cuando fue a ver a Gasalla al teatro–, Charly García irrumpió en la plaza segundos antes de las 18, a bordo de una combi blanca en la que iba acompañado por su amigo y protector Ramón “Palito” Ortega, quien lo atiende en su quinta de la localidad de Luján.
La banda chilena The Prostitution, con la que toca desde 2001, y el “Zorrito” Fabián Von Quintiero ya habían comenzado a tocar los primeros acordes de “Demoliendo hoteles”, primera canción de una lista que incluyó “Promesas sobre el bidet”, “No me dejan salir”, “Cerca de la revolución”, “Influencia”, “No voy en tren” y el Himno Nacional Argentino.
“Tranquilos que nosotros vamos a seguir rockeando”, dijo a mitad de la presentación, cuando una pequeña avalancha corrió las vallas colocadas alrededor del escenario.
El músico, con varios kilos de más debido al tratamiento para abandonar las adicciones, controlado por el juzgado de María Rosa Bosio, tocó por primera vez desde que causó un escándalo en el Hotel Solar de Mendoza, luego de un concierto, en junio de 2008.
Después aquellos incidentes, Charly estuvo internado en la Clínica Cuyo y se le diagnosticó neumonía. Se lo trasladó luego al hospital Argerich de Buenos Aires, del que trató de escapar cuando no suicidarse. Las autoridades del hospital lo denunciaron ante la Justicia y la jueza Bosio ordenó su internación en la clínica psiquiátrica Dharma, también en Buenos Aires. Evolucionó bien y le dieron permiso para ir a la quinta de Ortega, pero volvió a ser internado en el Sanatorio Güemes cuando se agravó su neumonía. Lo sanaron y volvió a la quinta, donde continúa su tratamiento contra su adicción a las drogas bajo la tutela judicial, hasta que los médicos consideren que está recuperado.
El de ayer fue su primer show, Se lo vio gordo, sedado y lento. “¿Palito le hizo una lobotomía?”, preguntó Luis en Facebook. “Parece De la Rúa”, comentó Marcelo frente a la tele, cuando al terminar el concierto encaraba para cualquier esquina, desorientado. Y, cuando se lo llevaban en andas, uno recordó una escena de The Wall, cuando arrastran por un pasillo a la superestrella de rock en medio de un delirio, agusanándose. Pero no. Era el auténtico Charly sanándose. Y el público, haciéndole el aguante. “Ya se va a poner bien”, aseguró Verónica.

No volvió, lo llevaron
El análisis de Miguel Russo
Sólo Charly puede destruir a Charly. De la misma manera que los analistas mediáticos de turno dijeron que sólo él podía salvarse a sí mismo. Por eso, los pibes y no tan pibes que se juntaron a instancias de TN y Palito Ortega (todo un tándem a estudiar en detalle) frente a la Basílica de Luján o frente a la pantalla del televisor (TN, off course), no vieron la vuelta de Charly sino un simple regreso a un simple escenario. No se trata de que vuelva a ser el Charly que arrancó en 1971, ni el del tercer festival Barock en 1972, ni el del 5 de septiembre de 1975 que dice haber visto todo el mundo en el Luna Park. No se trata de que vuelva a ser el líder de Serú ni el enloquecido solista que rompe todo. No se trata de que vuelva a mostrar nada (menos el culo, a estas alturas y con la milagrosa y tantas veces visitada Luján a sus espaldas). Pero tampoco se trata de mostrar un Charly que habían vendido de otra manera. En estos siglos en los cuales se insiste con eso de la única imagen contra las mil palabras, la imagen de Charly se peleó a muerte con las palabras "está mejor que nunca", "volvió a cantar como los dioses", "etcétera". El oído absoluto desafinó todo lo que pudo y hasta equivocó el tiempo al batir palmas. El teclado estaba como de adorno y los músicos alrededor hacían lo que podían por sostener un mito. No se trata de eso, claro. Charly nunca se trató de eso. No volvió, lo llevaron. Y cuando terminó el himno, equivocó el rumbo como aquel tristísimo De la Rúa, y los asistentes tuvieron que sacarlo casi en vilo por el otro lado, de vuelta a la quinta del Palo. De todos modos, sólo Charly puede destruir sus propias canciones como lo hizo. Sólo él.

Notas publicadas en la sección cultura del diario Diagonales, de La Plata.

Javier Bergia en La Plata

Por Andrés Iaconis
A las 20.20 del sábado, Javier Bergia –sólo, con su guitarra electroacústica y tres botellas de agua- pisó el escenario del Teatro Café Concert para dar inicio a su primer recital como solista en La Plata. Unas setenta personas escucharon pasar las canciones del repertorio de quien como guitarrista supo compartir recitales junto al cantante español Ismael Serrano. El público se deleitó con temas como “Caracola”, “Melancolía”, “De aquellos años verdes”, entre muchos otros más.
Durante el espectáculo, el cantautor madrileño habló de la gran movida cultural que se genera en toda la provincia de Buenos Aires, tanto desde de los organismos públicos como desde los propios artistas y desde la misma gente. “Aquí hay un mayor interés para fomentar la cultura, hay un gran movimiento, que me recuerda a España hace muchos años. Pero en mi país se van perdiendo todos esos lugares de encuentro cultural”, comparó Bergia.
“Encuentro en Argentina los mismos problemas económicos y sociales que tenemos en España, pero a diferentes niveles y con pequeñas diferencias lógicas. Creo que la globalización nos está uniendo y, quizá, el día de mañana sea una ventaja para subvencionar los conflictos en términos globales”, confesaría más tarde el músico en diálogo con Diagonales.
Al concluir el espectáculo, el trovador confesó, al borde de la lágrima, que “tocar en esta ciudad fue un sueño cumplido, la gente me brindó mucho cariño y vuelvo a España renovado para seguir haciendo música, espero poder estar de nuevo en octubre”.